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Marcadores estilizados: como obter marcadores saltantes com pontos de localização?


Desejo marcar locais importantes com marcadores maiores (ponteiro com garfos) e locais menores com marcadores normais (pontos coloridos). Eu quero que grandes marcadores saltem ao pairar. Como conseguir este efeito no Google Maps ou usando o Folheto.


Se você fez suas três tarefas individualmente, não discutirei como realizá-las. Para reuni-los, sua melhor aposta será um mapa com duas camadas vetoriais diferentes. Armazene os pequenos pontos no primeiro e os marcadores no segundo. Em seguida, atribua umpasse o rato por cimaevento para a segunda camada com uma função para animá-lo.

Conseguir a animação no Google Maps é bastante simples para a função de animação que a API oferece, como @phloem apontou na seção de comentários.

Não uso a API do Google Maps, porque é egoísta (não suporta fontes externas) e não FOSS, portanto irei mostrar como atingir seu objetivo no Folheto:

No folheto você pode usar o plugin BounceMarker de Maxime Hadjinlian: http://jsfiddle.net/GFarkas/3tac6ckp/.

Este plugin tende a apresentar falhas se você passar o mouse sobre um marcador várias vezes muito rápido, por isso é mais adequado se você usá-lo apenas com umadicionaroucliqueevento.

Existe uma maneira de regularizar o intervalo que o efeito de salto pode ser chamado. Neste violino, criei duas variáveis ​​Date () que não permitem que o efeito de salto aconteça com mais frequência do que 501 milissegundos. Você pode definir este intervalo tão alto ou baixo quanto quiser, no entanto, vale a pena defini-lo um pouco mais do que a duração da animação de salto, para que os usuários não percebam que não podem saltar um marcador em um intervalo especificado, ainda a animação pode ser reproduzida, por isso não apresenta falhas:

var então = nova data (); for (var i = 0; i 

Criação de uma sobreposição de dados com o Mapbox

Agora que você já conhece o ambiente do Mapbox, vamos tentar algo um pouco mais complexo que envolve modificar o estilo do Mapbox, criar dados temáticos do zero e visualizar o resultado em um ambiente de navegador da web em vez de ArcMap.

Suponha que você esteja encarregado de fazer um site para mostrar os cinco melhores restaurantes da sua cidade (com você e somente você como juiz). Você deseja criar um mapa rapidamente para incorporar a um site, mas, como você é um cartógrafo exigente, deseja ter controle total sobre o estilo do mapa. Vamos fazer isso com o Mapbox, primeiro projetando um mapa base e, em seguida, adicionando dados para representar os cinco restaurantes de interesse.

  1. No Mapbox Studio, clique no Estilos menu e criar um Novo estilo usando o Primavera variação do Básico modelo.
  2. Crie um nome para o seu estilo, como Geog865Base.
  3. Aumente o zoom no seu estado e clique em uma área verde (que representa uma área florestal ou de parque). Em seguida, selecione o nome da camada, que provavelmente será algo como: Terra e Água ... Um menu adicional deve aparecer permitindo que você modifique o estilo deste recurso, incluindo a cor.

Você terminou de editar seu mapa base por enquanto. Você não precisa salvar seu trabalho. O Mapbox Studio tem feito isso conforme você avança. Agora vamos inserir os restaurantes.

  1. No lado superior esquerdo do Mapbox Studio, clique no botão Mapbox ícone para retornar à página principal do Studio e, em seguida, selecione o Conjuntos de dados cardápio.
  2. Clique Novo conjunto de dados.
  3. Digite o nome Cinco melhores restaurantese clique Crio.
  4. Aumente o zoom em um lugar que você conhece bem (como sua cidade) e clique no ícone de lágrima de cabeça para baixo para desenhar um ponto.
  5. Clique no mapa com a localização do seu restaurante favorito. Um ponto laranja deve aparecer. (Se precisar de ajuda para encontrar isso, use outro mapa para referência ou mude o estilo de fundo para um dos mapas de satélite Mapbox).

Em seguida, você aplicará seu próprio estilo aos ícones e adicionará alguns rótulos. Em seguida, você visualizará seu mapa em um navegador da web.

Existem várias maneiras de simbolizar esses pontos do restaurante. Uma maneira pode ser com um pequeno ícone na forma de um arquivo gráfico vetorial escalável (SVG). O Mapbox fornece um bom conjunto desses ícones SVG chamados Maki.

Outra maneira é usar apenas um marcador básico, como um círculo. Usaremos essa abordagem, mas também adicionaremos um rótulo de algumas das informações que inserimos nos campos do restaurante. Os pontos do restaurante e os rótulos serão tratados como camadas separadas no mapa. Siga esses passos:

    Vendo seu Geog865Basemap no Mapbox Studio, altere o símbolo do círculo dos cinco melhores restaurantes para ter uma cor e contorno que sejam atraentes para você.


É uma marca editorial, fornecida pelo comitê editorial da edição. As marcas de parágrafo para as Bíblias de estudo da KJV mais recentes tendem a ser as mesmas, mas algumas diferem das quebras de parágrafo da KJV Autorizada de 1611.

A Bíblia de Genebra de 1599 foi a primeira a numerar os versículos, e cada versículo tinha seu próprio parágrafo.

"A Bíblia de Genebra foi a primeira Bíblia em inglês a usar capítulos modernos e divisões de versos para toda a Bíblia. Os versículos do Novo Testamento na Bíblia de Genebra seguiram as divisões de versículos do Novo Testamento grego de Estienne de 1551. Cada versículo era um novo parágrafo." Fonte: aqui.

A marca ¶ é inserida no GNV 1599 em seções de texto maiores para denotar uma interrupção na atividade ou pensamento. É um produto do comitê editorial.

Isso se tornou um padrão para uso em traduções subsequentes, mas cada comitê editorial fez sua própria determinação. As quebras de parágrafo na KJV às vezes concordam com as da GNV de 1599, mas freqüentemente divergem.

A pontuação foi introduzida em documentos escritos por volta do século III aC para fornecer sugestões ao orador para pausas respiratórias e, eventualmente, começou a incluir outros sinais de qualidade tonal, como pontos de exclamação e interrogação. As marcas foram um acréscimo ao texto escrito pelo orador, para auxiliar no falar em público.

"A importância atribuída à interpretação individual de um texto por parte do leitor era tão grande, na verdade, que nem um único manuscrito sobrevivente antes da Idade Média foi encontrado pontuado pela própria mão do escritor10 apenas quando um leitor preparou um texto para ser entregue em voz alta, seria anotado como tal. " Souce: Pilcrow Parte 1

No geral, a inserção do pilcrow parece ser determinada de forma independente por cada comitê de tradução.

O pilcrow (¶) tem uma história interessante e foi gradualmente derivado do capítulo usado por monges para marcar novos capítulos e mais tarde usado para novos parágrafos ou marcadores de frase, conforme o escritor / escriba determinou apropriado.

"No início, usado apenas para marcar capítulos, ele começou a apimentar os textos como um parágrafo ou até mesmo um marcador de frase, de modo que quebrou um bloco de texto corrido em seções significativas conforme o escritor considerou adequado. ¶ Este estilo de uso rendeu um texto muito compacto, 19 remetendo, talvez, à prática ainda recente de scriptio continua. Em última análise, porém, o conceito do parágrafo superou a necessidade de eficiência e tornou-se tão importante a ponto de justificar uma nova linha † - prefixada com um pilcrow, é claro, para introduzi-lo. "Souce: Pilcrow Parte 2

Uma nota interessante é que o último pilcrow das traduções inglesas ocorre em Atos 20:36. Alguns especularam que os compositores originais ficaram sem pilcrows e não poderiam usá-los no resto da Bíblia. Outros determinaram alguma intervenção divina no uso descontinuado nas epístolas e no Apocalipse. Consulte "A última marca de parágrafo" aqui.

É mais provável que as epístolas fossem curtas o suficiente para que os versos fossem suficientes para servir como marcadores de espaço e quebras de parágrafo. Mas, eu não encontrei nenhuma marcação de parágrafo no Apocalipse em nenhuma de minhas KJVs.

Fonte adicional de informações sobre o desuso do pilcrow em tipo impresso: Pilcrow Parte 3


  1. Clique no ícone "hambúrguer" no canto superior esquerdo:
  2. Clique em Satélite (o segundo item do menu) para ativar o modo Satélite se ainda não estiver ativado
  3. Clique em Labels on em Sattellite. Depois, muda para Marcadores desativados
  4. Apreciar!

  1. Clique no ícone do menu no canto superior esquerdo
  2. Ative o modo Earth (primeiro item do menu) se não estiver ativado
  3. Clique em Labels on. Depois, muda para Marcadores desativados
  4. Apreciar!

Reclamações sobre a falta de tal recurso (acho que talvez na visão da 'Terra' mais do que satélite) são recentes, então acho que não há, ainda, uma maneira simples de remover os rótulos. No entanto, há este conselho de John Mee 24 de junho (provavelmente 2014):

Qualquer:

a) Clique em & quot? & quot nos novos mapas e selecione & quotretornar para os mapas antigos do Google & quot. Nos mapas antigos no widget & quotmap / traffic & quot no canto superior direito da página, você pode desmarcar & quotlabels & quot. Na barra lateral esquerda, clique em & quotget it now & quot para retornar ao New google maps (ou & quotdismiss & quot a notificação 'lembre-se que quero mapas antigos' e feche / reabra o navegador.

alternativamente

b) Instale o Google Earth e desligue todas as & quotCamadas & quot

Eu não testei isso, mas parece que teve mais votos positivos do que votos negativos.


Atividade 2. Contando histórias: Ouvindo os Anciãos Aborígenes

Peça aos alunos que pensem em algo que possam ter aprendido com seus pais ou professores por meio de uma música ou história. Eles aprenderam o ABC com uma música? Ou eles aprenderam a contar com uma rima (como um, dois, afivelar meu sapato, etc.)? Foi mais fácil aprender o ABC aprendendo uma música para acompanhá-lo?

Peça aos alunos que pensem no caminho que vai do quarto em casa à cozinha (ou da casa à escola). Como eles explicariam a outra pessoa como ir de um cômodo para o outro? Que marcos eles diriam à outra pessoa para procurar? Os alunos podem dizer coisas como "passe pelo quarto do meu irmão e vire à direita". Mas como alguém que não conhece sua casa já saberá quando passou pelo quarto de seu irmão? Como eles vão explicar isso para alguém que não está familiarizado de uma forma que eles possam reconhecer e se lembrar daquele ponto de referência? Eles podem contar uma história sobre o ponto de referência que possa ajudá-los a se lembrar? Que história eles contariam a alguém para ajudá-los a se lembrar dos marcos? Por exemplo, os alunos podem contar histórias sobre os cartazes na porta de seus irmãos, como explicando que ele os comprou em um show.

Muitas histórias aborígines contêm exatamente esse tipo de informação embutido nelas. Além de transmitir informações sobre a paisagem, muitas histórias aborígines explicam fenômenos naturais, como as características dos animais e plantas da Austrália. Finalmente, muitas histórias aborígines são elaboradas para ensinar lições sobre moralidade, ética e comportamento correto. Pergunte aos alunos se eles já ouviram uma história que tivesse uma moral. Eles podem identificar uma fábula, como uma das fábulas de Esopo ou um conto de fadas.

Talvez o melhor lugar para começar a aprender sobre a narrativa aborígine seja com o conceito de Hora de sonhar. Os aborígines acreditam em uma época chamada Dreamtime, durante a qual a terra, o céu e tudo o que eles continham foram formados pelas ações de seres sobrenaturais desconhecidos. Dreamtime é o começo de todas as coisas, e existem inúmeras histórias aborígines que conectam a criação da geografia da Austrália às ações de animais, espíritos e pessoas no Dreamtime. Você pode começar compartilhando as informações sobre o Dreamtime que estão disponíveis no site Native Web revisado pelo EDSITEment. Trabalhe junto com a classe para criar uma definição para a ideia do Dreamtime. Uma definição funcional pode ser: O período em que, de acordo com o povo aborígine, o mundo foi formado e todas as coisas passaram a existir.

Agora que os alunos aprenderam algo sobre o conceito de Dreamtime, eles estão prontos para aprender sobre a narrativa aborígine e ouvir algumas histórias sobre Dreamtime. Comece ouvindo uma introdução à narrativa aborígine de tia Beryl Carmichael, chamada Por que as histórias são contadas. Ele está disponível como um arquivo de áudio e texto nesta página da web, que pode ser acessada por meio da Native Web. Quando você e sua classe terminarem de ouvir a explicação de por que as histórias são contadas, você pode prosseguir para ouvir algumas histórias contadas por contadores de histórias aborígines. Você pode escolher entre as histórias disponíveis como arquivos de áudio e texto listados aqui.

Observação: Se você conseguir baixar os arquivos de áudio, ouvir os contadores de histórias aborígines contando as narrativas com suas próprias vozes permitirá que seus alunos tenham a oportunidade de experimentar algo da cultura aborígine de perto. No entanto, o sotaque dos contadores de histórias provavelmente não será familiar para a maioria de seus alunos, tornando difícil para eles compreenderem imediatamente tudo na história. Você pode querer ler algumas das histórias para a classe a partir dos textos que são fornecidos. Também é importante observar para os alunos que a prática de contar histórias mudou ao longo do tempo e que eles devem prestar atenção ao fato de que essas histórias agora estão sendo contadas em inglês, em vez de em uma língua aborígine. Isso pode ajudar os alunos a compreender que, embora a prática de contar histórias seja antiga, ela também evoluiu com a vida aborígine, historicamente e na vida contemporânea.

Você pode precisar criar um programa de histórias para ouvir que se encaixem nas limitações de tempo de sua classe. Uma seleção de diferentes tipos de histórias pode dar aos alunos uma boa variedade de estilos e técnicas de narração de histórias. Você pode considerar as quatro histórias a seguir para uma variedade de estilos:

    . Esta história ajudará a apresentar o Dreamtime aos seus alunos. . Esta história fornece um pano de fundo explicativo para formações geográficas. . Esta história contém uma lição clara de comportamento moral. . A história explica as características físicas da baleia, do coala e da estrela do mar.

Depois de ouvir cada história, peça aos alunos que identifiquem os personagens principais da narrativa. Em seguida, use as seguintes perguntas para conduzir uma discussão em classe:

  • Os personagens principais são humanos? Eles são animais? Eles são espíritos?
  • Os personagens da história são específicos da Austrália? Os alunos conseguem identificar os animais da história a partir da lista de animais australianos da atividade anterior?
  • Quais são os principais eventos da história?
  • A história ensinou aos ouvintes algo sobre a paisagem, plantas ou animais na Austrália?
  • A história ensinou uma lição? Que tipo de lição?
  • Qual é a moral da história?

Um aspecto importante da narrativa aborígine é que as histórias são um tipo de propriedade, e apenas algumas pessoas - aquelas que são "donas" da história - têm permissão para contá-la. As pessoas ou comunidades que possuem a história são responsáveis ​​pela custódia dela: eles são responsáveis ​​por cuidar da história e por transmiti-la à próxima geração. Além disso, existem certas histórias que não se deve ouvir, a menos que pertençam à comunidade que o possui. Esse é um aspecto da narrativa muito diferente do que os alunos provavelmente estão acostumados e que é uma parte importante da cultura aborígine. Você pode querer levantar essa questão com os alunos, apontando que em muitos dos sites há uma isenção de responsabilidade que explica que os responsáveis ​​pela história deram permissão para sua exibição no site e avisa aos espectadores que as histórias estão contidas dentro de que os aborígines que não têm permissão para ouvi-los ou vê-los não os vejam por acidente.


Conteúdo

  • Criatividade artística ou individualismo expressivo: na arte da África Ocidental em particular, há uma ênfase generalizada no individualismo expressivo ao mesmo tempo em que é influenciado pelo trabalho de seus predecessores. Um exemplo seria a arte de Dan, bem como sua presença na diáspora da África Ocidental. [13] [14]
  • Ênfase na figura humana: a figura humana sempre foi o tema principal para a maior parte da arte africana, e essa ênfase influenciou até certas tradições europeias. [9] Por exemplo, no século XV, Portugal negociou com a cultura Sapi perto da Costa do Marfim, na África Ocidental, que criou elaborados depósitos de sal de marfim que eram híbridos de designs africanos e europeus, mais notavelmente na adição da figura humana (a figura humana normalmente não aparecia em salinas portuguesas). A figura humana pode simbolizar os vivos ou os mortos, pode fazer referência a chefes, dançarinos ou vários ofícios, como bateristas ou caçadores, ou ainda pode ser uma representação antropomórfica de um deus ou ter outra função votiva. Outro tema comum é a inter-morfose humana e animal.
  • Abstração visual: as obras de arte africanas tendem a favorecer a abstração visual em vez da representação naturalista. Isso ocorre porque muitas obras de arte africanas generalizam normas estilísticas. [15]

O estudo da arte africana até recentemente se concentrava na arte tradicional de certos grupos bem conhecidos no continente, com ênfase particular na escultura tradicional, máscaras e outras culturas visuais da África Ocidental não islâmica, África Central e África Meridional com um ênfase particular nos séculos XIX e XX. Recentemente, no entanto, tem havido um movimento entre historiadores da arte africanos e outros estudiosos para incluir a cultura visual de outras regiões e períodos de tempo. A ideia é que incluindo todas as culturas africanas e sua cultura visual ao longo do tempo em Arte africana, haverá uma maior compreensão da estética visual do continente ao longo do tempo. Finalmente, as artes dos povos da diáspora africana, no Brasil, no Caribe e no sudeste dos Estados Unidos, também começaram a ser incluídas no estudo da arte africana.

A arte africana assume muitas formas e é feita de muitos materiais diferentes. A maioria das obras de arte africanas são esculturas de madeira, provavelmente porque a madeira é um material muito difundido. A joalheria é uma forma de arte popular e é usada para indicar posição, afiliação a um grupo ou apenas para fins estéticos. [16] As joias africanas são feitas de materiais diversos como pedra olho de tigre, hematita, sisal, casca de coco, miçangas e madeira de ébano. As esculturas podem ser de madeira, cerâmica ou esculpidas em pedra, como as famosas esculturas Shona, [17] e a cerâmica decorada ou esculpida vem de muitas regiões. Várias formas de têxteis são feitas, incluindo chitenge, pano de lama e tecido kente. Mosaicos feitos de asas de borboleta ou areia colorida são populares na África Ocidental. As primeiras esculturas africanas podem ser identificadas como sendo feitas de terracota e bronze. [18]

As religiões tradicionais africanas têm sido extremamente influentes nas formas de arte africanas em todo o continente. A arte africana frequentemente origina-se de temas de simbolismo religioso, funcionalismo e utilitarismo, e muitas peças de arte são criadas para fins espirituais em vez de puramente criativos. Muitas culturas africanas enfatizam a importância dos ancestrais como intermediários entre os vivos, os deuses e o criador supremo, e a arte é vista como uma forma de contatar esses espíritos dos ancestrais. A arte também pode ser usada para representar deuses e é valorizada por seus propósitos funcionais. [ citação necessária ] No entanto, é importante notar que a chegada do Cristianismo e do Islã também influenciou muito a arte do continente africano, e as tradições de ambos foram integradas nas crenças e nas obras de arte da religião tradicional africana. [19]

As origens da arte africana estão muito antes da história registrada. As contas mais antigas conhecidas da região foram feitas de Nassarius conchas e usadas como ornamentos pessoais há 72.000 anos. [4] Na África, a evidência da fabricação de tintas por um processo complexo existe por volta de 100.000 anos atrás [5] e do uso de pigmentos por cerca de 320.000 anos atrás. [6] [20] A arte rupestre africana no Saara, no Níger, preserva esculturas de 6.000 anos. [21] Junto com a África Subsaariana, as artes culturais ocidentais, pinturas e artefatos egípcios antigos e artesanato indígena do sul também contribuíram muito para a arte africana. Muitas vezes retratando a abundância da natureza circundante, a arte era frequentemente interpretações abstratas de animais, vida vegetal ou desenhos e formas naturais. O Reino de Kush na Núbia, no Sudão moderno, estava em contato próximo e frequentemente hostil com o Egito, e produziu esculturas monumentais em sua maioria derivadas de estilos que não levaram ao norte. Na África Ocidental, as primeiras esculturas conhecidas são da cultura Nok, que prosperou entre 1.500 aC e 500 dC na Nigéria moderna, com figuras de argila tipicamente com corpos alongados e formas angulares. [22]

Métodos mais complexos de produção de arte foram desenvolvidos na África Subsaariana por volta do século 10, alguns dos avanços mais notáveis ​​incluem o trabalho em bronze de Igbo Ukwu e a terracota e metalurgia de Ile Ife Bronze e fundições de latão, muitas vezes ornamentadas com marfim e preciosos pedras, tornou-se altamente prestigiado em grande parte da África Ocidental, às vezes sendo limitado ao trabalho dos artesãos da corte e identificado com a realeza, como com os bronzes de Benin.

Durante e após o período colonial dos séculos 19 e 20, os ocidentais por muito tempo caracterizaram a arte africana como "primitiva". O termo carrega consigo conotações negativas de subdesenvolvimento e pobreza. A colonização durante o século XIX estabeleceu um entendimento ocidental baseado na crença de que a arte africana carecia de habilidade técnica devido ao seu baixo status socioeconômico.

No início do século XX, historiadores da arte como Carl Einstein, Michał Sobeski e Leo Frobenius publicaram importantes obras sobre a temática, conferindo à arte africana o status de objeto estético, não apenas de objeto etnográfico. [23] Ao mesmo tempo, artistas como Paul Gauguin, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, Henri Matisse, Joseph Csaky e Amedeo Modigliani tomaram conhecimento e se inspiraram na arte africana, entre outras formas de arte. [9] Em uma situação em que a vanguarda estabelecida lutava contra as restrições impostas por servir ao mundo das aparências, a arte africana demonstrou o poder de formas extremamente bem organizadas produzidas não apenas pela resposta à faculdade da visão, mas também e frequentemente, principalmente, a faculdade de imaginação, emoção e experiência mística e religiosa. Esses artistas viram na arte africana uma perfeição formal e sofisticação unificadas com um poder expressivo fenomenal. O estudo e a resposta à arte africana, por artistas no início do século XX, facilitou uma explosão de interesse na abstração, organização e reorganização de formas e na exploração de áreas emocionais e psicológicas até então não vistas na arte ocidental. Por esses meios, o status da arte visual foi alterado. A arte deixou de ser meramente e principalmente estética, mas tornou-se também um verdadeiro meio para o discurso filosófico e intelectual e, portanto, mais verdadeira e profundamente estética do que nunca. [24]

A arte tradicional descreve as formas mais populares e estudadas de arte africana, normalmente encontradas em coleções de museus.

Máscaras de madeira, que podem ser de criaturas humanas, animais ou lendárias, são uma das formas de arte mais comumente encontradas na África Ocidental. Em seus contextos originais, as máscaras cerimoniais são usadas para celebrações, iniciações, colheita da safra e preparação para a guerra. As máscaras são usadas por um dançarino escolhido ou iniciado. Durante a cerimônia da máscara, o dançarino entra em transe profundo e, durante esse estado de espírito, ele "se comunica" com seus ancestrais. As máscaras podem ser usadas de três maneiras diferentes: cobrindo o rosto verticalmente: como capacetes, envolvendo toda a cabeça, e como crista, repousando sobre a cabeça, que normalmente era coberta por um material como parte do disfarce. As máscaras africanas geralmente representam um espírito e acredita-se fortemente que o espírito dos ancestrais possui o usuário. A maioria das máscaras africanas é feita com madeira e pode ser decorada com: marfim, pêlos de animais, fibras vegetais (como ráfia), pigmentos (como caulim), pedras e pedras semipreciosas também estão incluídas nas máscaras.

As estátuas, geralmente de madeira ou marfim, costumam ser incrustadas com conchas de cauri, pinos de metal e pregos. As roupas decorativas também são comuns e constituem outra grande parte da arte africana. Entre os tecidos africanos mais complexos está o colorido tecido Kente de Gana. O pano de lama com um padrão audacioso é outra técnica bem conhecida.

A África é o lar de uma próspera cultura de arte contemporânea. Isso foi pouco estudado até recentemente, devido à ênfase de estudiosos e colecionadores de arte na arte tradicional. Artistas modernos notáveis ​​incluem El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nel, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe, Lubaina Himid, Bili Bidjocka e Henry Tayali. Bienais de arte são realizados em Dakar, Senegal, e Joanesburgo, na África do Sul. Muitos artistas contemporâneos africanos estão representados em coleções de museus e sua arte pode ser vendida por preços elevados em leilões de arte. Apesar disso, muitos artistas africanos contemporâneos tendem a ter dificuldade em encontrar um mercado para o seu trabalho. Muitas artes contemporâneas africanas se inspiram fortemente em seus predecessores tradicionais. Ironicamente, essa ênfase na abstração é vista pelos ocidentais como uma imitação de cubistas e artistas totêmicos europeus e americanos, como Pablo Picasso, Amedeo Modigliani e Henri Matisse, que, no início do século XX, foram fortemente influenciados pela arte tradicional africana. Este período foi crítico para a evolução do modernismo ocidental nas artes visuais, simbolizado pela pintura inovadora de Picasso Les Demoiselles d'Avignon. [25]

Hoje Fathi Hassan é considerado um dos principais representantes da arte contemporânea negra africana. A arte africana contemporânea foi iniciada nas décadas de 1950 e 1960 na África do Sul por artistas como Irma Stern, Cyril Fradan, Walter Battiss e por meio de galerias como a Goodman Gallery em Joanesburgo. Mais recentemente, galerias europeias como a October Gallery em Londres e colecionadores como Jean Pigozzi, [26] Artur Walther [27] e Gianni Baiocchi em Roma ajudaram a expandir o interesse pelo assunto. Numerosas exposições no Museu de Arte Africana de Nova York e no Pavilhão Africano na Bienal de Veneza de 2007, que apresentou o Sindika Dokolo Africano

Coleção de Arte Contemporânea, percorreu um longo caminho para contrariar muitos dos mitos e preconceitos que assombram a Arte Contemporânea Africana. A nomeação do nigeriano Okwui Enwezor como diretor artístico da Documenta 11 e sua visão da arte centrada na África impulsionou a carreira de incontáveis ​​artistas africanos no cenário internacional.

Uma vasta gama de formas de arte mais ou menos tradicionais, ou adaptações do estilo tradicional ao gosto contemporâneo, são feitas para venda a turistas e outros, incluindo a chamada "arte de aeroporto". Uma série de vigorosas tradições populares assimilam influências ocidentais em estilos africanos, como os elaborados caixões de fantasia do sul de Gana, feitos em uma variedade de formas diferentes que representam as ocupações ou interesses dos falecidos ou elevam seu status. Os Ga acreditam que um funeral elaborado beneficiará o status de seus entes queridos na vida após a morte, então as famílias muitas vezes não poupam despesas ao decidir qual caixão querem para seus parentes. [28] Esses caixões podem ter a forma de carros, cápsulas de cacau, galinhas ou qualquer outra forma que uma família decida que melhor representa seu ente querido falecido. [29]

Arte pop e arte publicitária Editar

A arte costumava anunciar para empresas locais, incluindo barbearias, cinemas e lojas de eletrodomésticos, tornou-se internacionalmente celebrada em galerias e lançou a carreira de muitos artistas africanos contemporâneos, de Joseph Bertiers do Quênia a vários pintores de pôsteres de filmes em Gana. [30] Cartazes de filmes pintados à mão em Gana sobre tela e saco de farinha das décadas de 1980 e 1990 foram exibidos em museus ao redor do mundo e chamaram a atenção da mídia social viral devido às suas representações altamente criativas e estilizadas de filmes de faroeste. [31] [32] Esta interpretação criativa da cultura ocidental por meio de estilos de arte africanos também está em exibição com a tradição de retratos de louvor retratando celebridades internacionais, que muitas vezes serviam como arte publicitária de fachada, e desde então se tornaram amplamente valorizados e colecionados na arte global mercado.

Edição de arte minimalista africana

Outro notável artista africano contemporâneo é Amir Nour, um artista sudanês que atualmente mora em Chicago. Na década de 1960, ele criou uma escultura de metal chamada Pastando em Shendi (1969) que consiste em formas geométricas que se conectam com sua memória de sua pátria. [33] A escultura lembra ovelhas pastando à distância. Ele valorizou a descoberta da arte na sociedade do artista, incluindo cultura, tradição e formação. [34]

África Ocidental Editar

Gana Editar

Gana é famosa por criar as mais famosas expressões e marcas africanas genuínas, que vão desde entalhes em madeira, latão, figuras, pedras preciosas e diferentes tipos de materiais. Gana ainda tem notoriedade como uma nação com reservas infinitas de minerais, como ouro, diamante, prata, bronze, etc. Gana oferece muitas ajudas para artesãos criar e projetar joias, sejam contemporâneas ou tradicionais.

Um Kente é um pano acolchoado tradicional, multicolorido, tecido à mão. É também uma espécie de textura de seda e algodão feita de tiras de tecido entrelaçadas. O tecido é fundamental para a cultura de Gana e também é tradicionalmente usado para ser usado como uma urdidura em torno de homens e mulheres, com variações ligeiramente diferentes para ambos. Este tecido é quase usado por todos os membros da tribo ganense.

Existem diferentes variações de cores para o kente, cada cor tem significados diferentes. aqui estão alguns exemplos:

A arte Akan originou-se entre o povo Akan. A arte Akan é conhecida por vibrantes tradições artísticas, incluindo tecidos, esculturas, pesos de ouro Akan, bem como joias de ouro e prata. O povo Akan é conhecido por sua forte conexão entre as expressões visuais e verbais e uma mistura distinta de arte e filosofia. A cultura Akan valoriza o ouro acima de todos os outros metais e acredita que ele pode retratar os elementos sobrenaturais por trás de muitas coisas, incluindo autoridade real e valores culturais. Os Asante, que são uma cultura dominante de língua Akan em Gana, remontam suas origens à chegada de um banquinho dourado, que agora se diz conter a alma da nação Asante dentro dele. O ouro era considerado uma contraparte terrena do sol e era frequentemente utilizado na arte para mostrar a importância do rei, tornando-se uma representação essencial de seus valores culturais e sociais. [35] O tecido Kente é outra tradição artística extremamente importante da cultura Akan. A tradição afirma que o tecido Kente se originou quando os tecelões tentaram copiar as habilidades de tecelagem das aranhas com suas teias. O tecido Kente é mundialmente conhecido por suas cores e padrões. Seu objetivo original era retratar o poder real e autoridade, mas agora se tornou um símbolo de tradição e foi adotado por várias outras culturas. [36]

Cabeça de troféu Ashanti por volta de 1870 ouro puro Wallace Collection (Londres). Esta obra de arte representa um chefe inimigo morto em batalha. Weighing 1.5 kg (3.3 lb), it was attached to the Asante king's state sword

Soul washer badge (Akrafokonmu) 18th-19th century gold Metropolitan Museum of Art (New York City)

Calabash adinkra stamps carved in Ntonso (Ghana)

Nigeria Edit

Nigerian culture is illustrated through art and folklore. Nigeria draws its inspiration for their art from traditional folk heritage of the region. There are different types of artwork from the Nigerian culture. Some of these works of art can be stone carvings, potteries, glass work, wood carvings and bronze works. Benin and Awka are considered to be the central places for wood carving. Woodcarvers have been thriving throughout the south of Nigeria from time immemorial.

Examples of Nigerian Traditional Art

Masks are a piece of the animist confidence of the Yoruba individuals. The veils are painted, and fans wear them at memorial services and different functions to mollify the spirits.

Pottery has a long custom in Nigeria. Pottery was well known from 100 B.C. These days Suleja, Abuja and Ilorin are viewed as significant figures of customary ceramics. Potters in Nigeria are frequently female, and usually practice for the methods to be passed on through families.

Yorubas utilize a bush to make indigo-shaded batik-colored fabric. Ladies generally do the withering, while in the north, the specialty is drilled only by men. Weavers everywhere throughout the nation produce a splendid texture with ribbon structures. Oyo state is known for its fine loom materials while fabric from Abia state utilizes a broadloom strategy.

The Nok culture is an early Iron Age population whose material remains are named after the Ham village of Nok in Kaduna State of Nigeria, where their famous terracotta sculptures were first discovered in 1928. The Nok Culture appeared in northern Nigeria around 1500 BC [22] and vanished under unknown circumstances around 500 AD, thus having lasted approximately 2,000 years. [37]

The function of Nok terracotta sculptures remains unknown. For the most part, the terracotta is preserved in the form of scattered fragments. That is why Nok art is best known today only for the heads, both male and female, whose hairstyles are particularly detailed and refined. The statues are in fragments because the discoveries are usually made from alluvial mud, in terrain made by the erosion of water. The terracotta statues found there are hidden, rolled, polished, and broken. Rarely are works of great size conserved intact making them highly valued on the international art market. The terracotta figures are hollow, coil built, nearly life-sized human heads and bodies that are depicted with highly stylized features, abundant jewelry, and varied postures.

Little is known of the original function of the pieces, but theories include ancestor portrayal, grave markers, and charms to prevent crop failure, infertility, and illness. Also, based on the dome-shaped bases found on several figures, they could have been used as finials for the roofs of ancient structures. Margaret Young-Sanchez, Associate Curator of Art of the Americas, Africa, and Oceania in The Cleveland Museum of Art, explains that most Nok ceramics were shaped by hand from coarse-grained clay and subtractively sculpted in a manner that suggests an influence from wood carving. After some drying, the sculptures were covered with slip and burnished to produce a smooth, glossy surface. The figures are hollow, with several openings to facilitate thorough drying and firing. The firing process most likely resembled that used today in Nigeria, in which the pieces are covered with grass, twigs, and leaves and burned for several hours.

As a result of natural erosion and deposition, Nok terracottas were scattered at various depths throughout the Sahel grasslands, causing difficulty in the dating and classification of the mysterious artifacts. Two archaeological sites, Samun Dukiya and Taruga, were found containing Nok art that had remained unmoved. Radiocarbon and thermo-luminescence tests narrowed the sculptures’ age down to between 2,000 and 2,500 years ago, making them some of the oldest in Western Africa. Many further dates were retrieved in the course of new archaeological excavations, extending the beginnings of the Nok tradition even further back in time. [38]

Because of the similarities between the two sites, archaeologist Graham Connah believes that "Nok artwork represents a style that was adopted by a range of iron-using farming societies of varying cultures, rather than being the diagnostic feature of a particular human group as has often been claimed."

Nok seated figure 5th century BC – 5th century AD terracotta 38 cm (1 ft. 3 in.) Musée du quai Branly (Paris). In this Nok work, the head is dramatically larger than the body supporting it, yet the figure possesses elegant details and a powerful focus. The neat protrusion from the chin represents a beard. Necklaces from a cone around the neck and keep the focus on the face.

Relief fragment with heads and figures 5th century BC – 5th century AD length: 50 cm (19.6 in.), height: 54 cm (21.2 in.), width: 50 cm (19.6 in.) terracotta Musée du quai Branly. As most African art styles, the Nok style focuses mainly on people, rarely on animals. All of the Nok statues are very stylized and similar in that they have this triangular shape eye with a perforated pupil, with arched eyebrows.

Male head 550–50 BC terracotta Brooklyn Museum (New York City, USA). The mouth of this head is slightly open. It maybe suggests speech, that the figure has something to tell us. This is a figure that seems to be in the midst of a conversation. The eyes and the eyebrows suggest an inner calm or an inner serenity.

Benin art Edit

Benin art is the art from the Kingdom of Benin or Edo Empire (1440–1897), a pre-colonial African state located in what is now known as the South-South region of Nigeria. The Benin Bronzes are a group of more than a thousand metal plaques and sculptures that decorated the royal palace of the Kingdom of Benin in what is now modern-day Nigeria. [a] Collectively, the objects form the best-known examples of Benin art, created from the thirteenth century onwards, by the Edo people, which also included other sculptures in brass or bronze, including some famous portrait heads and smaller pieces.

In 1897 most of the plaques and other objects in the collection were taken by a British force during the Benin Expedition of 1897, which took place as British control in Southern Nigeria was being consolidated. [41] Two hundred of the pieces were taken to the British Museum, while the rest were purchased by other museums in Europe. [42] Today, a large number are held by the British Museum, [41] as well as by other notable collections in German and American museums. [43]

Bronze Head of Queen Idia early 16th century bronze Ethnological Museum of Berlin (Germany). Four cast bronze heads of the queen are known and are currently in the collections of the British Museum, the World Museum (Liverpool), the Nigerian National Museum (Lagos) and the Ethnological Museum of Berlin

Leopard aquamanile 17th century brass Ethnological Museum of Berlin. The bronze leopards were used to decorate the altar of the oba. The leopard, a symbol of power, appears in many bronze plaques, from the oba's palace

Benin ivory mask of the Queen Mother Idia 16th century ivory, iron & copper Metropolitan Museum of Art. One of four related ivory pendant masks among the prized regalia of the Oba of Benin taken during the Benin Expedition of 1897 in the Southern Nigeria Protectorate

Igbo Edit

The Igbo produce a wide variety of art including traditional figures, masks, artifacts and textiles, plus works in metals such as bronze. Artworks form the Igbo have been found from as early as the 9th century with the bronze artifacts found at Igbo Ukwu. Their masks are similar with the Fang ones, being white and black in about same parts.

Maiden spirit mask early 20th century wood & pigment Brooklyn Museum (New York City, USA)

A mask known as the Queen of Women (Eze Nwanyi) late 19th-early 20th century wood & pigment Birmingham Museum of Art (Alabama, USA)

Bronze ceremonial vessel in form of a snail shell 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum (Lagos, Nigeria)

Bronze ornamental staff head 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum

Female figure for a small temple 20th century Indianapolis Museum of Art

Igbo wooden complex, currently in the British Museum

Garment 1950-1975 cotton Indianapolis Museum of Art

Yoruba Edit

Yoruba art is best known for the heads from Ife, made of ceramic, brass and other materials. Much of their art is associated with the royal courts. They also produced elaborate masks and doors, full of details and painted in bright colors, such as blue, yellow, red and white.

Head of a king or dignitary 12th–15th century AD terracotta Ethnological Museum of Berlin (Germany) discovered at Ife (Nigeria)

Mask for Obalufon II circa 1300 AD copper height: 29.2 cm discovered at Ife Ife Museum of Antiquities (Ife, Nigeria) [44]

Mask with 7 birds 19th-20th century Detroit Institute of Arts (USA)

Mask with superstructure and two birds 19th–20th century Detroit Institute of Arts

Headgear circa 1900-1915 Detroit Institute of Arts

Pair of door panels and a lintel circa 1910–1914 by Olowe of Ise (British Museum, London)

Carnival mask circa 1950 Indianapolis Museum of Art (USA)

Other ethnic groups of Nigeria Edit

Carved door circa 1920-1940 wood with iron staples by Nupe people Hood Museum of Art (Hanover, New Hampshire, USA)

Headdress early 1900s wood, antelope skin, basketry, cane, metal by Ejagham people Cleveland Museum of Art (USA)

Headdress early 1900s wood, hair Idoma people Cleveland Museum of Art

Otobo (hippopotamus) mask by Kalabari people British Museum (London)

Mali Edit

The primary ethnic groups in Mali are the Bambara (also known as Bamana) and the Dogon. Smaller ethnic groups consist of the Marka, and the Bozo fisherman of the Niger River. Ancient civilizations flourished in areas like Djene and Timbuktu, where a great variety of ancient bronze and terra-cotta figures have been unearthed.

Djenné-Djenno Edit

Djenné-Djenno is famous for its figurines which depict humans and animals including snakes and horses. They are made of terracotta, a material that has been used in West Africa for some ten thousand years.

Female figure 13th-–15th century terracotta covered with red ochre height: 37.5 cm (14.7 in.), width: 31 cm (12.2 in.), depth: 24 cm (9.4 in.) Musée du quai Branly (Paris)

Equestrian figure 13th–15th century height: 70.5 cm National Museum of African Art (Washington D.C., USA)

Male figure 14th-17th century Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

Bambara Edit

The Bambara people (Bambara: Bamanankaw) adapted many artistic traditions and began to create display pieces. Before money was the main drive of creation of their artworks they used their abilities solely as a sacred craft for display of spiritual pride, religious beliefs and display of customs. Example artworks include the Bamana n'tomo mask. Other statues were created for people such as hunters and farmers so others could leave offerings after long farming seasons or group hunts. The stylistic variations in Bambara art are extreme sculptures, masks and headdresses display either stylized or realistic features, and either weathered or encrusted patinas. Until quite recently, the function of Bambara pieces was shrouded in mystery, but in the last twenty years, field studies have revealed that certain types of figures and headdresses were associated with a number of the societies that structure Bambara life. During the 1970s a group of approximately twenty figures, masks and TjiWara headdresses belonging to the so-called 'Segou style' were identified. The style is distinct and recognizable by its typical flat faces, arrow-shaped noses, all-over body triangular scarifications and, on the figures, splayed hands.

There are three major and one minor type of Bambara mask. The first type, used by the N'tomo society, has a typical comb-like structure above the face, is worn during dances and may be covered with cowrie shells. The second type of mask, associated with the Komo society, has a spherical head with two antelope horns on the top and an enlarged, flattened mouth. They are used during dances, but some have a thickly encrusted patina acquired during other ceremonies in which libations are poured over them.

The third type has connections with the Nama society and is carved in the form of an articulated bird's head, while the fourth, minor type, represents a stylized animal head and is used by the Kore society. Other Bambara masks are known to exist, but unlike those described above, they cannot be linked to specific societies or ceremonies. Bambara carvers have established a reputation for the zoomorphic headdresses worn by Tji-Wara society members. Although they are all different, they all display a highly abstract body, often incorporating a zig-zag motif, which represents the sun's course from east to west, and a head with two large horns. Bambara members of the Tji-Wara society wear the headdress while dancing in their fields at sowing time, hoping to increase the crop yield.

Bambara statuettes are primarily used during the annual ceremonies of the Guan society. During these ceremonies, a group of up to seven figures, measuring from 80 to 130 cm in height, are removed from their sanctuaries by the elder members of the society. The sculptures are washed, re-oiled and sacrifices are offered to them at their shrines. These figures – some of which date from between the 14th and 16th centuries – usually display a typical crested coiffure, often adorned with a talisman.

Two of these figures were ascribed great significance: a seated or standing maternity figure called Guandousou – known in the West as 'Bambara Queen' – and a male figure called Guantigui, who usually appears holding a knife. The two figures were surrounded by Guannyeni attendant figures standing or seated in various positions, holding a vessel, or a musical instrument, or their breasts. During the 1970s, numerous fakes from Bamako which were based on these sculptures entered the market. They were produced in Bamako.

Other Bambara figures, called Dyonyeni, are thought to be associated with either the southern Dyo society or the Kwore society. These female or hermaphrodite figures usually appear with geometric features such as large conical breasts and measure between 40 and 85 cm in height. The blacksmith members of the Dyo society used them during dances to celebrate the end of their initiation ceremonies. They were handled, held by dancers and placed in the middle of the ceremonial circle.

Among the corpus of Bambara figures, Boh sculptures are perhaps the best known. These statues represent a highly stylized animal or human figure, and are made of wood which is repeatedly covered in thick layers of earth impregnated with sacrificial materials such as millet, chicken or goat blood, kola nuts and alcoholic drinks. They were employed by the Kono and the Komo societies and served as receptacles for spiritual forces, and could, in turn, be used for apotropaic purposes.

Each special creative trait a person obtained was seen as a different way to please higher spirits.

Dogon Edit

Dogon art consists primarily of sculptures. Their art revolves around Dogon religious values, ideals, and freedoms (Laude, 19). Dogon sculptures are not made to be seen publicly, and are commonly hidden from the public eye within the houses of families, sanctuaries, or kept with the Hogon (Laude, 20). The importance of secrecy is due to the symbolic meaning behind the pieces and the process by which they are made.

Themes found throughout Dogon sculpture consist of figures with raised arms, superimposed bearded figures, horsemen, stools with caryatids, women with children, figures covering their faces, women grinding pearl millet, women bearing vessels on their heads, donkeys bearing cups, musicians, dogs, quadruped-shaped troughs or benches, figures bending from the waist, mirror-images, aproned figures, and standing figures (Laude, 46–52). Signs of other contacts and origins are evident in Dogon art. The Dogon people were not the first inhabitants of the cliffs of Bandiagara. Influence from Tellem art is evident in Dogon art because of its rectilinear designs (Laude, 24).

Dogon art is extremely versatile, although common stylistic characteristics – such as a tendency towards stylization – are apparent on the statues. Their art deals with the myths whose complex ensemble regulates the life of the individual. The sculptures are preserved in innumerable sites of worship, personal or family altars, altars for rain, altars to protect hunters, in market. As a general characterization of Dogon statues, one could say that they render the human body in a simplified way, reducing it to its essentials. Some are extremely elongated with emphasis on geometric forms. The subjective impression is one of immobility with a mysterious sense of a solemn gravity and serene majesty, although conveying at the same time a latent movement. Dogon sculpture recreates the hermaphroditic silhouettes of the Tellem, featuring raised arms and a thick patina made of blood and millet beer. The four Nommo couples, the mythical ancestors born of the god Amma, ornament stools, pillars or men's meeting houses, door locks, and granary doors. The primordial couple is represented sitting on a stool, the base of which depicts the earth while the upper surface represents the sky the two are interconnected by the Nommo. The seated female figures, their hands on their abdomen, are linked to the fertility cult, incarnating the first ancestor who died in childbirth, and are the object of offerings of food and sacrifices by women who are expecting a child.

Kneeling statues of protective spirits are placed at the head of the dead to absorb their spiritual strength and to be their intermediaries with the world of the dead, into which they accompany the deceased before once again being placed on the shrines of the ancestors. Horsemen are reminders of the fact that, according to myth, the horse was the first animal present on earth. The Dogon style has evolved into a kind of cubism: ovoid head, squared shoulders, tapered extremities, pointed breasts, forearms, and thighs on a parallel plane, hairdos stylized by three or four incised lines. Dogon sculptures serve as a physical medium in initiations and as an explanation of the world. They serve to transmit an understanding to the initiated, who will decipher the statue according to the level of their knowledge. Carved animal figures, such as dogs and ostriches, are placed on village foundation altars to commemorate sacrificed animals, while granary doors, stools and house posts are also adorned with figures and symbols.

There are nearly eighty styles of masks, but their basic characteristic is great boldness in the use of geometric shapes, independent of the various animals they are supposed to represent. The structure of a large number of masks is based on the interplay of vertical and horizontal lines and shapes. Another large group has triangular, conic shapes. All masks have large geometric eyes and stylized features. The masks are often polychrome, but on many the color is lost after the ceremonies they were left on the ground and quickly deteriorated because of termites and other conditions. The Dogon continue an ancient masquerading tradition, which commemorates the origin of death. According to their myths, death came into the world as a result of primeval man's transgressions against the divine order. Dama memorial ceremonies are held to accompany the dead into the ancestral realm and restore order to the universe. The performance of masqueraders – sometimes as many as 400 – at these ceremonies is considered absolutely necessary. In the case of the dama, the timing, types of masks involved, and other ritual elements are often specific to one or two villages and may not resemble those seen in locations only several kilometres distant. The masks also appear during baga-bundo rites performed by small numbers of masqueraders before the burial of a male Dogon. Dogon masks evoke the form of animals associated with their mythology, yet their significance is only understood by the highest ranking cult members whose role is to explain the meaning of each mask to a captivated audience.


13 Tips To Understand Revit Base Points And Coordinate System

Revit coordinate system is very confusing. Even after 7 years of Revit experience, I still needed hours of research, investigation and experiments to build this guide.

This post covers a lot of ground. You will learn about the mysterious, super secret Revit Internal Origin. You will learn the difference between a Survey Point and a Project Base Point. You will learn how to properly use the True North and the Project North. Good luck.

Edit: we’ve just added a complete video tutorial on this topic! Check it out:

Edit #2: Are you using Revit 2020.2 or a more recent version? There has been a few changes to coordinates. Read our post about the update.

1- UNDERSTAND THE DIFFERENCE BETWEEN ALL 3 COORDINATE ORIGIN POINTS

There are 3 different origin points in a Revit project: the Project Base Point, the Survey Point and the secret Internal Origin.

PROJECT BASE POINT: This point is used almost exclusively for internal purpose. It is used to place dimensions relatively to the building. It is represented by a blue circle with a cross in the middle. It can also be used to set the angle difference between the True North and the Project North.

SURVEY POINT: This is used to create a "shared coordinates" system among multiple linked Revit or CAD files. That means it's location is most useful when exporting and importing files. It is usually placed relatively to the Site.

INTERNAL ORIGIN: This is the tricky one. This point is invisible and cannot be moved. Most users don't even know it exists. By default, importing or exporting a CAD or Revit file will be made relatively to this super secret point, therefore confusing many people.

2- LOCATE THE INTERNAL ORIGIN

Now that you are aware of this super secret internal origin, you should locate it in a plan view using reference planes. Actually, you should locate it in your Revit Template so you will be able to track it's location for all new projects.

To locate the point, go to your site plan and make sure the Project Base Point is set to visible in the Visibility/Graphics settings.

The next step is to select the project base point and click on the clip icon. A red dash should appear on the icon. The next step is to right-click on the project base point and select "Move to Startup Location"

The project base point should now be located at the exact same spot as the Internal Origin. Mark this spot in the project by creating two reference planes that intersect at the point. You should also add a text note to indicate the location to other users.

The 3 origin points not only have X/Y coordinates, but also a Z-axis elevation. Therefore, you should open an elevation view and unhide the Project Base Point and Survey Point. Create a third reference plane to indicate the height location of the Internal Origin.

3- BY DEFAULT, SET THE 3 ORIGINS AT THE SAME SPOT

In most project, the Project Base Point, the Survey Point e a Internal Origin can all remain in the same spot without any problem. In your template, make sure they all fit together in a corner of your building, at the intersection of grids A and 1.

While the default stance is to keep these points together, the next tips will teach you in which case they should be moved.

4- TOPOSURFACE IS RELATIVE TO INTERNAL ORIGIN

The 3 origins points each can have a different elevation value. When creating a toposurface, you have to set values refering to Absolute Elevation. This value is relative to the Internal Origin.

5- SET LEVELS RELATIVE TO PROJECT BASE POINT

In most projects, it is a smart move to set the project first level at 100'-0'' or 10 000mm. This is an arbitrary value that has no relation to the sea level. The best practice is to set this value in relation to the Project Base Point. Select a level, click on Edit Type and make sure that the Elevation Base is set to Project Base Point.

6- USE THE INTERNAL ORIGIN AS SEA LEVEL = 0

In a project where you want to spot elements in relation to the sea level, you should use the Internal Origin to represent sea level 0.

In this example, the 10 000mm project level fits the 4 835mm sea level. That means we have to move the Project Base Point so it is 5 165mm below the Internal Origin base elevation.

If you want to spot any element in your project in relation to the sea level, create a new Spot Elevation tag that use Relative as the Elevation Origin.

Placing the Project Base Point relatively to the Internal Origin should be your first move when starting a project. Else, you won't be able to model the site using the sea level elevation values.

In a project where the site and project are already modeled without using the sea elevation, the solution is to use the Survey Point as the sea level origin. If you want to model the toposurface with sea level elevation, your best bet is to use a linked site model.

7- CREATE A SPOT COORDINATE FOR EACH ORIGIN

The Spot Coordinate tool is used to specify coordinate relatively to one of the 3 origin. You can find this tool in the Annotate tab.

In your template, it is a smart move to create a Spot Coordinate for each of the 3 origin type. Edit the type of the spot coordinate and use the duplicate tool. Scroll down the settings options and you will see the Coordinate Origin parameter. Create a different tag for all 3 origins (Survey, Project Base and Internal). Relative refers to the Internal Origin of the project.

Once you are done, you should have 3 different Spot Coordinate types like in this image.

As you can see in the image below, each spot coordinate are used to spot the same element. However, they indicate different data since they each refer to a different origin. These tags can be useful when you are confused about the location of the origin or of a specific element.

Do you like this blog post? Make sure to check out our popular BASICS 2021 learning package. Use code 2021 to get 25% off.

8- UNCLIP PROJECT BASE POINT BEFORE MOVING IT

If you want your project base point to be in a different spot than the internal origin, you have to move it. However, if you try to move it, everything in the project will also move except the survey point.

To avoid this issue, unclip the project base point first. Move it to the proper emplacement, then clip it again. As you see, the coordinates will be changed: the N/S and E/W coordinates are always relative to the Survey Point.

9- NEVER UNCLIP THE SURVEY POINT

While unclipping the project base point is the standard procedure before moving it, you should never unclip the Survey Point. If you unclip and move the Survey Point, you will cause a lot of pain, horror and confusion for people working in your model.

The only thing that moving an unclipped survey point will do is to move the icon representation of the survey point, not the survey point itself. There is absolutey no reason to ever make such a move.

If you click a survey point and you see something else than 0,0,0 coordinates, that means someone messed up and decided to move an unclipped survey point. Simply change the values back to 0,0,0.

*Edit: Turns out some people like to move an unclipped survey point. Steve Stafford explains in which case that might be useful in this post on his Revit OpEd blog. For the sake of simplicity, I would still recommend never unclipping the Survey Point, unless you have a really good reason.

10- USE PROJECT BASE POINT TO SET THE TRUE NORTH

Each project contains a Project North and a True North. The Project North is a virtual orientation used to model your project so it is orthogonal to your screen. The True North is a real-world north used to properly locate the orientation of your building. To set a True North value, select the Project Base Point and enter the angle.

In the view properties of each view, you can specify the orientation you want to use. In almost all cases, Project North will be used.

Revit weirdness alert: although the True North value is set in the Project Base Point, the value is actually embedded in the Survey Point. Even weirder: you can have multiple Survey Points in a project. That means you can have many multiple True North value in a single project. Strange, huh?

11- SET THE CAD EXPORT COORDINATE SETTINGS

Most users are confused about the project origin when exporting to CAD. The reason is that the Internal Origin is used by default. You can access the exportation options by going to File/Export/CAD Format and by clicking the 3 small dots next to the Select Export Setup menu. Go to the Units & Coordinates tab.

If you export a Revit view to DWG, the default setting is Project internal. That setting will use the Internal Origin as the 0,0,0 point location in AutoCAD.

The other option is called Shared. This will use the Survey Point as the 0,0,0 point in AutoCAD.

Watch out: If you are using the Shared setting and you entered an angle value for the True North, the project will appear rotated once opened in AutoCAD. To avoid this issue, export the sheet where the view is placed instead of exporting the view.

12- USE LINK CAD TO SET THE SURVEY POINT AS THE ORIGIN

The Link CAD tool has more positioning options available than Import CAD. If you want to use the Survey Point as the origin for the CAD file, you have to use Link CAD and select By Shared Coordinates. Else, the Origin to Origin option will match the Revit file Internal Origin to the DWG 0,0,0 point.

13- USE ORIGIN TO ORIGIN WHEN LINKING REVIT FILE

Revit offers a fancy "Shared Site" and "Shared Coordinates" system to link Revit files. but the truth is that you don't need to use these feature in 90% of projects. O Origin to Origin tool works perfectly fine. This option will match the models Internal Origins.

When linking a model, it is a wise move to PIN it immediately. If it moves around by mistake, right-click the model and use the "Reposition to Internal Origin" tool.

There is a few cases where you might want to use the Shared Coordinates system when linking Revit models. Check out the pamphlet below to learn more.

WANT MORE TIPS? DOWNLOAD THE FREE PAMPHLET.

There is even more weirdness to learn about coordinates. Want to know how to create a shared site? How to create multiple survey points and true norths? Our brand new quarterly free pamphlet publication was just released. It contains this whole blog post with extra tips inside an epic 28 pages PDF.


MapImageLayerManager¶

allows administration (if access permits) of ArcGIS Online hosted map image layers. A map image layer offers access to map and layer content.

The cancel job operation supports cancelling a job while update tiles is running from a hosted feature service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

delete_tiles ( levels , extent = None ) ¶

Deletes tiles for the current cache

Description

optional dictionary, If specified, the tiles within this extent will be deleted or will be deleted based on the service’s full extent. Example: 6224324.092137296,487347.5253569535, 11473407.698535524,4239488.369818687 the minx, miny, maxx, maxy values or, <“xmin”:6224324.092137296,”ymin”:487347.5253569535, “xmax”:11473407.698535524,”ymax”:4239488.369818687, “spatialReference”:<“wkid”:102100>> the JSON representation of the Extent object.

required string, The level to delete. Example, 0-5,10,11-20 or 1,2,3 or 0-5

edit_tile_service ( service_definition = None , min_scale = None , max_scale = None , source_item_id = None , export_tiles_allowed = False , max_export_tile_count = 100000 ) ¶

This operation updates a Tile Service’s properties

service_definition - updates a service definition min_scale - sets the services minimum scale for caching max_scale - sets the service’s maximum scale for caching source_item_id - The Source Item ID is the GeoWarehouse Item ID of the map service export_tiles_allowed - sets the value to let users export tiles max_export_tile_count - sets the maximum amount of tiles to be exported

Description

Required ItemId or Item. The TPK file’s item id. This TPK file contains to-be-extracted bundle files which are then merged into an existing cache service.

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Optional Boolean. Default is false and applicable to compact cache storage format. It controls whether the bundle files from the TPK file are merged with the one in the existing cached service. Otherwise, the bundle files are overwritten.

Optional Boolean. Default is false, applicable to compact cache storage format and used when merge=true. It controls whether the new tiles will replace the existing ones when merging bundles.

Returns the job statistics for the given jobId

refresh ( service_definition = True ) ¶

The refresh operation refreshes a service, which clears the web server cache for the service.

The rerun job operation supports re-running a canceled job from a hosted map service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

Description

required string, parameter used to re-run a given jobs with a specific error code: ALL | ERROR | CANCELED

required string, job to reprocess

update_tiles ( levels = None , extent = None ) ¶

The starts tile generation for ArcGIS Online. The levels of detail and the extent are needed to determine the area where tiles need to be rebuilt.

..Note: This operation is for ArcGIS Online only.

Description

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Dictionary. If the product is not ArcGIS Online tile service, the result will be None.


The enumitem package might be useful, combined with some package listed in the Comprehensive Symbol List:

where i , ii , iii , etc. refer to the current bullet level.

One possible way to accomplish it is.

First, include amssymb package by adding the line usepackage in the preamble of your document.

The list of all keywords like square, checkmark etc. can be found in amssymb package documentation. Visit: http://milde.users.sourceforge.net/LUCR/Math/mathpackages/amssymb-symbols.pdf

will change that item's bullet to a diamond. This works on a per item basis.


Assista o vídeo: Como estilizar listas com CSS? (Outubro 2021).